戏剧家的作用不是制造冲突或者混乱，而是建立秩序，牢牢记住这一点很重要。

　　被动语气会导致平淡蹩脚的写作，而在剧本中，它简直就是诅咒。你想要创造出可信的行动和自然的对话，可是被动语气听起来却很不自然， 雕琢痕迹过重。它使得人们很难读懂动作描述，而且使得对话磕磕绊绊。更糟糕的事，它使得那些伺机等候着的剧本修订人有恰当的机会来羞辱你。想象你的无知正在叽叽喳喳地说：

　　写作不仅应该含意丰富， 而且应该简洁实用。 尽量缩短动作段落，将无法拍摄的细节去掉。

　　比如：

　　她站在那儿，思考着。

　　摄影机无法显示一个人正在思考，思考是内心动作 感觉和记忆也是一样。内心动作只属于小说。在戏剧中，如果观众不能看到或者听到某个细节，那么这个细节就不存在。因此，你只能写演员能表演出的和摄影机能拍摄下来的行动。

　　你的方式是戏剧动作和视觉形象。坚决地将形容词和副词都删掉，这会迫使你去写人物在做什么，而不是解释他们在怎么做。少量描述性的词汇当然没问题，但是要尽可能少用。

　　在戏剧中，故事开场时，一个两难处境或者危机发生，扰乱了人物的生活，它导致问题发生，而角色们必须试图解决——一些资料上将这称之为“开场”或“激励事件”。目前有好几种描述它的词汇，这使得初学者颇为困扰。

　　无论我们为之编剧的媒介是什么， 对戏剧最基础的评判标准意味着舞台和剧本的需要：

　　至少有两个人物

　　对话

　　使得故事通过冲突向前推进的戏剧动作。

　　在电影中，迈克尔做了主角必须做的事：

　　面临戏剧问题并决定解决它。

　　促使其他人做出反应，特别是对手。

　　最终解决戏剧问题并恢复秩序。

　　对手只是这样的一种主要人物：

　　接受主角的行动。

　　领导对抗力量。

　　阻碍主角解决戏剧问题的努力

　　主角引导动作， 对手引导反动作。

　　人物必须能打动观众。他们的行为必须能在观众那里引发一种认同感， 一种内心的关注以及能有所获的一种愿望。这种情感上的感受，观众会认为是合情合理的。

　　选择一个与你的主题（情感）有合理联系的基本动作（行为）。比方说，“母爱”导致了“保护”是合情合理的。一些特殊的组合，例如“ 母爱”与“杀害”，也许是一个新颖的创意，但它们却可以形成一个明显的鸿沟来破坏你的故事。对观众来说你的作品必须有意义。如果你选择了一个不合逻辑的基本动作，你就需要用高超的技术，创作出一个让你的观众能深信不疑的剧本。

主题

　　写下你的主角的目的，这是构建主旨陈述的下一步，也是最后一步。 这个简明扼要的句子，从属于你的主题/基本动作的等式，它阐述出你的主角要干什么，并且指出对手接受并反抗主角的动作。目的句必须能解决你的主题和基本动作之间的关联的合理性问题。这一点至关重要， 因为它设定了你的故事的核心冲突，但常常正是这并起眼却必不可少的元素羁绊了许多作者，他们分不清自己的主人公及其对手。严格按照下面提供的方法，写下你的答案，来保持你剧中人物的一贯性：

　　写下主人公的名字，即动作的实施者（哈姆雷特……）

　　用很少的词语，说明他想做些什么（哈姆雷特想要复仇……）

　　写下其对手的名字， 即接收并对抗主角动作的一方 （哈姆雷特想要向克劳德修斯国王复仇。 ）

　　主题陈诉的价值所在

　　主旨陈述会帮助你建立起你的核心冲突，因为它可以使你在动笔之前就明了主人公的目标。当你在国外旅游是，难道不会先找到一张当地的地图？而你的主旨陈述，就是你的剧本的地图。在开始你的旅程之前，一定要好好利用它。

　　现在，考虑一下……你的主角将会采取什么行动来获得他 （她） 所需要的东西？如果他 （她）成功了，将会怎么样？如果他 （她）不成功呢？这些问题将会引导你深入了解你剧本中其他人物的反应。

　　一个主旨陈述是由一下元素组成的：“主题→基本动作”

　　寻找主题

　　要确定你的主题，你只需要对自己说：“促使————————（主角的名字）行动的情感（欲求，需求）是————————（你的主题） 。”记住，要使用一个词语：一个名词。它可以是一种简明、直接的情感，例如爱，也可以是一种与情感相联系的需求和欲望，比如成功。例如，在《公民凯恩》中，促使记者行动的情感（欲望、需求）是成功。

　　戏剧性动作

　　让我们再次引用弗朗西斯霍奇的话“戏剧性动作就是剧中不同力量的冲撞，即角色之间持续的相互冲突。”他强调了戏剧性的动作永远发生在现在时态，“参与者应该总是处于‘我现在做了什么’而不是‘ 我曾经做过什么’的状态之中”。这是一个至关重要的事实，不论场景、地点或时代如何转变，从亚瑟王到柯克船长，所有角色的行为都发生在当下，一切都发生在观众面前。

　　戏剧性动作应该是相互作用的。它由两个方面组成：动作和反应。一个角色的行动促使另一个角色做出反应。当一个角色反对另一个的时候，他们就处于冲突之中。

　　你的每一次行动都促使我做出反应，并且加以对抗，而不是寻求一种“解决”方法，冲突就此不断升级。这种行为的“多米诺效应”迫使角色之间相互碰撞，同时推动着剧情不断向前发展。

　　一定要时刻坚持使用“画面检验”的方法。一个画面真的比千言万，你要学会问问自己：我能用画面来表达我剧本中的一切吗？

　　结构

　　亚里士多德那里，我们就已经知道，每一出戏都要具备一个开端、一个中间阶段和一个结局。

　　那些投资人想要在一份剧本说明中看到的东西无非是：

　　一个开端，一个中间阶段和一个结局。

　　一个能展开整个故事的干扰事件（一个引起观众兴趣的钩子或是戏剧性的事件） 。

　　一个处于主人公及其对手之间的核心冲突。

　　诗歌通常喜欢用比喻的方式来表达意思， 而戏剧——尤其是剧本——则是用可见的画面来传递含义。事实上，正如我们已经知道的，戏剧其实是源于诗歌的。在具体的概念上，戏剧更接近于诗歌，而不是小说（在诗人、小说家和剧作家舍曼· 亚历克看来，剧本就是一首长达 120 页的长诗） 。

　　文/大卫·马梅 著《电影功课》

　　来源：电影周末

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